Noches Oscuras: La Resistencia de Gotham

“Con esa actitud tan cariñosa y afable… seguro que tienes un montón de amigos”

Noches Oscuras: La Resistencia de Gotham incluye Teen Titans #12, Nightwing #29, Suicide Squad #26 y Green Arrow #32, todos tie-ins de sus respectivas series con el evento Dark Nights Metal o como ha llegado a España; Noches Oscuras Metal.

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Antes de escribir nada más, me gustaría comentar que no sigo el evento, lo único que sé del mismo es que hay unos cuantos Batmans malvados con diseños molones fruto de la fusión de Batman con otros personajes. Yo llego aquí por otro camino; soy lector de la serie de Green Arrow (próximamente reseña de la etapa de Percy) y ante la promesa de un capítulo cerrado y un tanto a parte de la trama principal de Noches Oscuras Metal, me tiré a la piscina para no perderme nada del arquero esmeralda, así que esta entrada, inevitablemente estará enfocada desde la perspectiva de un lector de Green Arrow que se ha visto “obligado” a leer esta historia.

Sorprendentemente, he podido seguir la historia sin mucho problema, y digo sorprendentemente porque se comenta que el evento está siendo lioso y es fácil perderse en él. En la primera viñeta tenemos un cuadro de texto advirtiéndonos de que tenemos que leer antes Noches Oscuras Metal #1 y #2, pero si no quieres leer el evento, no te preocupes y sigue.

La Resistencia de Gotham nace según distintos personajes se van encontrando por una Gotham retorcida e irreal que ha cambiado a merced del Multiverso Oscuro. Empezamos el viaje con Robin (Damian Wayne) que llega a la ciudad con el único propósito de encontrar a su padre. Personalmente no había leído ninguna aparición de este personaje, pero aquí me ha caído bastante mal con esa actitud tan arrogante y desagradable, pero es lo de menos.

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Gotham ha adquirido una disposición en forma de anillos concéntricos, haciendo referencia a los círculos del infierno de Dante (los lectores de Green Arrow tenemos estos círculos hasta en la sopa). En cada anillo, un villano clásico de Batman, que por medio de una carta metálica que le ha sido concedida por el Batman Que Ríe ha deformado la realidad a su antojo, y para llegar al centro de la ciudad, tendrán que ir superando al villano de cada círculo para poder avanzar como si de un videojuego se tratase. En este aspecto, tenemos una historia que se desarrolla de una forma clásica y totalmente lineal. Robin comienza encontrándose con Green Arrow, luego con Harley Quinn y Killer Croc y finalmente con Nightwing.

Realmente, no creo que se pretenda crear una historia que deje poso, simplemente cohesionar bien los números y conseguir que las colecciones pasen por el evento de una forma ligera y divertida, y en este aspecto cumple con creces; los cuatro capítulos se concatenan perfectamente y conforman una lectura divertida. No es nada del otro mundo, y en ocasiones las cosas se solucionan de manera abrupta y por medio de un Deux Ex Machina. Lo más interesante es quizás, ver a los personajes bajo la estética medieval y recargada del evento en continuas escenas de acción bastante bizarras que en otra historia no tendrían cabida.

El hecho de que sean cuatro cabeceras distintas implica que algunos números gusten más que otros; en lo personal, el primero (Teen Titans #12) y el último (Green Arrow #32) (ambos guionizados por Benjamin Percy) me han parecido los más destacables, el tercer número (Suicide Squad #26) es correcto, y el que menos me ha gustado ha sido el segundo (Nightwing #29), pese a estar guionizado por Tim Seeley, autor de Revival.

Por cierto, la portada hace trampa, ni Batgirl ni Canario Negro aparecen lo más mínimo en el cómic.

Como conclusión, diría que si sigues una de estas cuatro series y no quieres perderte ningún número, puedes leer este volumen sin miedo, rellenarás huecos y obtendrás un arco cerrado que no te aburrirá. Por supuesto, si te lo saltas, tampoco pasará nada, por lo menos si sigues Green Arrow, ya que en el número inmediatamente posterior apenas se hace una mención a estos sucesos. Una lectura palomitera y amena, diría que del montón pero que al tener un dibujo bestial sobre todo en su segunda mitad y un tono cargado de acción, sube un poco la media y se convierte en un arco recomendable si lo que buscas es pasar un rato divertido y sin pretensiones. Personalmente, me alegro de haberme acercado a la obra, además, Green Arrow tiene bastante protagonismo.

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Apartado Gráfico

En Teen Titans #12 tenemos a Mirka Andolfo. Tiene un estilo juvenil y ligero, pero que a la hora de transmitir la acción, lo hace de una forma muy dinámica y amena. Creo que es un dibujante muy acertado para una serie de los Nuevos Titanes.

En Nightwing #29 el dibujante es Paul Pelletier. Al igual que a nivel de guión, el dibujo de este número me parece el más flojo de todos. Dista mucho de ser un mal dibujo, pero tiene ciertos dejes que me recuerdan a los rostros de los 90.

En Suicide Squad #26 Stjepan Šejić nos hace olvidar el arte más estándar de los números anteriores y hace alarde de una gran fuerza narrativa y unos dibujos ejecutados perfectamente y rematados con unos colores con tonalidades pasteles al que no le puedo poner ninguna pega, aparte de que sabe darle a cada personaje su esencia en cuanto a aspecto.

Por último, en Green Arrow #32, Juan Ferreyra sirve el postre para dejarnos un gran sabor de boca. Los que seguimos esta serie, ya sabemos de lo que es capaz este artista, pero seguro que los que no le conocieran han quedado sorprendidos con este estilo tan peculiar que tiene, jugando con las luces como quiere y con esos colores tan llamativos. Por desgracia, voy a tener que sacarle un fallo; en uno de los momentos de más tensión de la historia, dibuja a Robin sonriendo, lo que a mí me sacó de la lectura. Pero bueno, a Ferreyra se lo perdono todo.

Ediciones

En España, hasta el momento, sólo hay una opción de hacerse con estos números; el tomo Noches Oscuras: La Resistencia de Gotham. Alguien podría quejarse de que no incluyan los números de cada personaje en su propia colección, pero creo que haberlo hecho sería un error; no tienen entidad propia fuera de esta recopilación y habrían sembrado más dudas que respuestas. Como he dicho anteriormente, no hay ningún problema para saltarse este tomo, ni nigún problema para leerlo como algo aparte, así que tanto comprarlo como pasar de él son dos opciones perfectas.

Respecto al formato, tenemos el ya familiar tomito en rústica al que estamos acostumbrados en las colecciones con cadencia bimestral. Muy manejable y con un precio muy asequible, es el formato ideal para estos cuatro números. Se agradece que no hayan hecho un tomo en cartoné. El lomo, en vez de ser azul como hasta ahora, es negro, advirtiendo el evento en el que se ambienta.

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Los Muertos Vivientes #4: Lo que más anhelas

“¡Nosotros somos los muertos vivientes!”

Los Muertos Vivientes #4: Lo que más anhelas contiene The Walking Dead #19-24.

Volumen anterior: Los Muertos Vivientes #3: Seguridad tras los barrotes

AVISO: La reseña que vas a leer a continuación no contiene ningún spoiler del volumen en cuestión, pero sí que podría contener spoilers relacionados con números anteriores.

Otra vez que Kirkman nos deja con la miel en los labios. El volumen anterior terminaba con Dexter, uno de los presos apuntando a Rick con una escopeta. Debería estar penado por ley dejar estos cliffhangers.

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Pero antes de resolver la situación, (¿es que alguien pensaba que fuera a morir Rick?), el bueno de Robert nos trae un inquilino nuevo; Michonne. Y para mí, es la presentación más potente de un personaje en cualquier cómic que haya leído. Una misteriosa mujer negra, encapuchada, con dos merodeadores encadenados que le siguen a todas partes y una katana con la que no deja títere con cabeza. Brutal. Y el que más agradecido debería estar de su llegada es Otis, por supuesto. A modo de curiosidad, en el The Walking Dead #19 (primera aparición de Michonne), ésta aparecía con un piercing en la nariz, que luego no llevaría en el interior.

Volvamos al interior de la cárcel. A Dexter no le sentó nada bien que se le acusase del asesinato (y decapitación) de las dos hijas menores de Hershel (pobrecillo, ya van cuatro hijos menos, Kirkman la ha tomado con él), así que junto con su ¿novio? Andrew y el apoyo de Patricia (primero suelta a Thomas, el verdadero asesino y ahora esto) amenazan al grupo de Rick con las escopetas que han sacado de la armería de la galería A.

Menos mal que los merodeadores de la inexplorada galería A llegan para causar la confusión y obligar una tregua temporal que Rick aprovecha para quitarse de en medio a Dexter sin pestañear. No va a permitir que les arrebaten la seguridad de la cárcel. Pero claro, esto tira por el suelo la regla de “si matas, mueres” y la transforma en un “si matas, vives”.

Lo más interesante de este volumen son todas las tensiones y rupturas que se dan entre los personajes, la prisión se está convirtiendo en un hervidero de problemas, y la inclusión de Michonne en el grupo no facilita las cosas. Para más inri, el número de víctimas no ha bajado y la figura de Rick comienza a verse de manera borrosa. Su sangre fría y su autoritarismo parecen dejar ver algo más allá, ¿disfruta realmente con los actos tan dramáticos y salvajes que está haciendo? ¿se está volviendo loco? Y lo más importante, ¿está en condiciones de seguir siendo el líder.

Por su parte, Charlie Adlard y Cliff Rathburn siguen a tope y cada vez más sueltos. No es el mejor arte que se haya visto, pero funciona de maravilla, el estilo es perfectamente reconocible, las expresiones son perfectas y las manchas de negro son la guinda del pastel. Da gusto tener al mismo equipo en tantos números.

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Alex + Ada de Jonathan Luna y Sarah Vaughn

“No tengo ni idea de quién soy”

Hoy toca hablar de una serie de Image Comics (alabada sea) que por desgracia, permanece inédita en España. Alex + Ada, creada por Jonathan Luna y Sarah Vaughn, inicialmente se proyectó como una serie de 12 números, pero se vieron obligados a aumentar la duración hasta 15 números (Alex + Ada #1-15) que vieron la luz entre noviembre de 2013 y junio de 2015.

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Seremos transportados hasta un futuro no muy lejano en el que la tecnología ha evolucionado mucho en algunos campos como el internet con sus medios integrados y la robótica, pero que si no viésemos los hologramas, autómatas o coches con piloto automático no notaríamos la diferencia con la actualidad ya que las casas, mobiliario o la ropa siguen siendo prácticamente iguales. Para hacernos a la idea, es muy similar al mundo planteado en la película Her, y de hecho, la trama principal se asemeja bastante ya que plantea la misma reflexión sobre los sentimientos con un ente artificial. Así, podríamos catalogar esta obra como un drama romántico de ciencia-ficción.

Alex es un joven oficinista que desde que le dejó sin ninguna explicación su prometida lleva una existencia un tanto triste y solitaria. El día de su cumpleaños, tras abandonar la fiesta que le habían organizado sus amigos, es sorprendido en su casa por un enorme paquete que contiene el regalo que le ha hecho su abuela; una androide Tanaka X5, el último modelo de autómata, físicamente idéntico al ser humano, con el que sólo se diferencia en dos cosas; su sangre es morada y es no-sentiente (no sé si existe esta palabra, en el original es non-sentient). Esto se traduce en que necesita comer, habla y entiende perfectamente, tiene conocimientos y es capaz de hacer cualquier cosa que haga un humano, excepto tomar decisiones por sí mismo (es no-sentiente). De esta forma, el autómata tiene como único objetivo conseguir la felicidad de su dueño, y a preguntas como: “¿Te gusta?¿Qué te apetece hacer?” responderá: “Si a ti te gusta. Lo que tú quieras hacer.”

Si los androides son no-sentientes no es por falta de avances tecnológicos, ya que hubo en el pasado androides completamente sentientes o con libre albedrío pero la cosa salió mal y derivó en la masacre son el consecuente temor y odio por parte de la población hacia todos los androides pese a que ahora por ley, está prohibido que se fabriquen sentientes.

Alex recibe el regalo un tanto reticentemente, sólo a modo de prueba. El nombre de su Tanaka será Ada. Convive con ella pero pronto se cansa de la indiferencia que muestra y esa falta de conciencia que le impide por ejemplo, tener un color o una comida favorita.

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Alex decide tomar cartas en el asunto y se introduce en un foro de internet acerca de los derechos de los robots. Allí se dará cuenta de que no sólo hay personas, sino que también hay androides, pero era incapaz de reconocerlos al interactuar con ellos porque eran sentientes. Descubre que el modelo Tanaka X5 estaba preparado para ser completamente sentiente pero tras la masacre, antes de su salida al mercado se bloqueó esta propiedad pero no se eliminó debido a la gran pérdida monetaria que sufriría la empresa.

Tras reflexionarlo, Alex decide hacer a Ada sentiente, aceptando todas las consecuencias que eso puede tener; a partir de ese momento Ada será libre y puede que decida abandonarle, además, habrá infringido la ley y en caso de ser descubierto tendrá que ir a prisión y Ada será destruida.

De esta forma, empieza lo que es realmente el core de la serie. Ada es ahora una chica curiosa, con ganas de experimentar cada olor, cada sabor y verlo todo, porque ahora sí puede. Poco a poco y como era de esperar, Alex y Ada se enamorarán, pero no será un proceso fácil, ya que para empezar, a Alex le parece algo antinatural.

Ahí reside el interés del drama. Si Ada es capaz de sentir y tomar decisiones como cualquier persona, y además es anatómicamente humana al 100%, ¿qué le diferencia de otra chica? ¿acaso no es ya una persona?

¿Qué nos define como personas? Sentimos, pensamos, sufrimos, amamos… Y ellos son capaces de hacer todo eso, pero su origen es artificial, no natural; y esto es lo que divide la opinión pública, unos les temen y odian, no los aceptan en la sociedad, mientras que otros comprenden que en esencia son iguales a cualquier persona y como tal merecen sus derechos y deberían integrarse en nuestro mundo.

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Una bonita historia de amor que nos obligará a posicionarnos en un bando u otro. Al principio uno puede ser reacio a aceptar el romance entre Alex y Ada, nos ponemos en su piel y tenemos miedo, sentimos que es algo raro, inapropiado, pero al ver cómo es Ada, cómo siente y cómo vive, olvidamos que es un androide y nos damos cuenta de que en el fondo es tan persona como cualquiera. Tenemos diálogos para enmarcar, con disertaciones y reflexiones acerca de lo que es sentir, de lo que nos define o de lo que son los sueños, mediante paralelismos con el funcionamiento del sistema de Ada.

Una obra realmente preciosa que merece una oportunidad por parte de todos, sobre todo de aquellos que busquen una historia romántica alejada de todos los tópicos pero que a la vez muestre todo lo que significa enamorarse de alguien. Es irónico que aquí se nos muestren los sentimientos de la manera más humana posible.

Apartado Gráfico

Jonathan Luna es el dibujante, y la verdad es que su estilo es muy artificial y hasta cierto punto carente de vida, lo que parece adecuado para la serie. Al principio puede costar digerirlo, pero es algo pasajero, ya que le va como un guante a la obra y no obstaculiza en ningún momento la lectura. La narración gráfica es tan sencilla que las páginas fluyen con rapidez. Pese a la falta de sombreados o trazos más trabajados, la capacidad que tiene para mostrar las emociones y expresiones de los personajes es impresionante, así como la fuerza que transmite en los momentos críticos.

Ediciones

Por desgracia, como ya dije al principio, esta obra permanece inédita en España, así que para disfrutarla hay que recurrir irremediablemente a las ediciones americanas, que son tres; los números originales, tres TPBs de 5 números o el Complete Colection que recoge la serie de manera íntegra en tapa dura y a tamaño ampliado.

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Los Muertos Vivientes #3: Seguridad tras los barrotes

“Si matas, mueres. Así de fácil.”

Los Muertos Vivientes #3: Seguridad tras los barrotes contiene The Walking Dead #13-18.

Volumen anterior: Los Muertos Vivientes #2: Muchos kilómetros a las espaldas

AVISO: La reseña que vas a leer a continuación no contiene ningún spoiler del volumen en cuestión, pero sí que podría contener spoilers relacionados con números anteriores.

Por fin. Después de un andar errático del grupo sufriendo todas las penurias habidas y por haber, al final del volumen anterior llegaron hasta una prisión donde esperaban poder disfrutar de una vida más tranquila gracias a la seguridad que les proporcionaba la nueva localización.

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Y este decubrimiento llega en el momento oportuno, ya que Lori está embarazada ¿Shane o Rick?…, han perdido a Donna (la esposa de Allen), Glenn se ha quedado con Maggie en la granja de Hershel y dos hijos de Hershel murieron por culpa de los zombies que guardaba en el granero. Esperemos que así todos hayan aprendido la lección, los merodeadores no tienen alma; no queda nada de las personas que fueron ni existe ninguna remota posibilidad de salvación para ellos. Y es respecto esta cuestión donde Rick se erige como la persona más sensata. Los merodeadores han de morir.

Al comenzar a limpiar la cárcel de zombies, se topan con 4 presos que quedaron encerrados en el comedor y han logrado sobrevivir todo este tiempo. Obviamente, esto es una fuente de problemas, puesto que van a convivir con criminales, lo que les impedirá estar tranquilos.

Rick, a cada paso que avanza la serie, se vuelve más heterogéneo. Tiene un corazón noble, su máxima prioridad es defender a su gente, y no se olvida de los que ha dejado atrás y va a avisar a Hershel incluso después de que éste estuviera a punto de matarle. Me gusta especialmente la crudeza que va tomando, nadie le relacionaría con el policía asustado que vimos al principio. No tiembla ni un ápice a la hora de matar a alguien que él crea que debe morir y no le deja remordimientos. Pero me echa un poco para atrás el hecho de que sea tan excesivamente autoritario; sí, es cierto que él es el líder, pero parece que siempre quiere ser el protagonista (de hecho es el protagonista de la serie) y deja solos a Lori y Carl a la primera de cambio si se le mete algo en la cabeza.

Por su parte Lori es un poco bipolar, unas veces muestra un carácter fuerte y decidido y le planta cara a Rick, para luego darle la razón y decir que está confundida por todo… Pero si hablamos de mujeres fuertes, tenemos que hablar de Andrea. Aquella chica que se quedaba en segundo plano al principio, poco a poco ha ido ganando relevancia hasta hacerse bastante independiente (aunque prometa seguir a Dale allá donde vaya).

Cada volumen me está gustando y enganchando más que el anterior. Los números más que leerse se beben, y cada capítulo tiene un final potentísimo que te obliga a correr a por el siguiente.

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Aquaman: Las crónicas de Atlantis de Peter David y Esteban Maroto

“Yo lo llamaría rasgo familiar”

La verdad es que no sé ni por dónde empezar. Ya de niño, el mito de Atlantis era algo que me intrigaba muchísimo, y preguntaba a todos mis profesores por ello, ya que creía férreamente que su existencia era real, que la isla se hundió y estaba en alguna parte del vasto océano conservando sus habitantes en una atmósfera de leyenda.

Y sorprendentemente, años después, tengo el privilegio de acercarme a la historia de la civilización atlante por medio… ¡de un cómic de DC! Iba a decir que es un cómic de Aquaman, pero creo que eso sería distorsionarlo, ya que Aquaman es sólo una consecuencia de la magnífica epopeya que aquí se nos narra.

Tras las Crisis en Tierras Infinitas, mientras que todos los personajes estaban siendo relanzados para conseguir una tregua final entre sus múltiples versiones, Robert Greenberger, editor de DC comics, tenía la misión de encargarse de la mitología de Aquaman; de ordenar y dar sentido a todas las distintas especies, cuestiones y mitos que rodeaban la historia atlante. Una tarea hercúlea para la que eligió a Peter David.

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Peter David, un autor experto en el desarrollo de personajes e historias encadenadas y grandiosas, eligió usar la voz activa de distintos narradores para contar la epopeya épica y milenaria del reino de Atlantis. Estos narradores, los historiadores o cronistas de Atlantis, tenían que ser dignos para soportar el honor de escribir en las Crónicas de Atlantis, el archivo definitivo de la historia de este mágico lugar que llegarían, en la actualidad a las manos del ficticio profesor R.K. Simpson, de la Universidad de Golden Bough en Ithaca, quien las llevaría a DC para publicarlas en 7 entregas de 43 páginas de cómic, acompañadas de textos del propio profesor, que incluían incluso bibliografía y un árbol genealógico.

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Este inteligente recurso permite a Peter David narrar la historia desde puntos de vista totalmente distintos según van rotando los cronistas. No nos olvidemos que la historia es imposible escribirla de manera objetiva; cada persona tiene una ideología, unos principios, y en el caso de las crónicas, el escritor se ve afectado en primera persona por los hechos que recoge. Esto se traduce en distintas versiones respecto a lo que está pasando, unos estarán a favor de los hechos y decisiones que toma su mandatario contemporáneo y otros no harán más que tergiversar los hechos e intentar difamarlos. David incluso va más allá de todo eso y aprovecha la ocasión para utilizar un estilo de escritura totalmente distinto para cada cronista, ¡incluso el tipo de fuente con el que escriben cambia! Es muy interesante ver cómo en ocasiones lo que nos están contando las Crónicas no se corresponde exactamente con lo que está realmente pasando. Por el contrario, otras veces, las Crónicas distorsionarán los hechos para darles un aura épica y de leyenda, como pasaba con Heródoto.

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Que nadie se lleve al engaño y piense que por tratar algo como el mito de Atlantis, pueda tener un toque más infantil. Todo lo contrario, esto es un cómic adulto con todas las letras. Aparte de todas las situaciones tan reales y lógicas que plantea, del sexo y de la violencia, aquí se plasma una escena tremendamente cruda, y hechos ciertamente desgarradores.

¿La historia? Pues el hundimiento y evolución de Atlantis desde el reinado de Orin, monarca que creó la iniciativa de las Crónicas hasta el nacimiento de Aquaman. Conspiraciones, peligros, amenazas, revueltas, dramas familiares, conlictos de intereses, guerras, luchas internas…

Orin es el fiel reflejo de la tecnocracia, de la sociedad del conocimiento y la ciencia, del deseo de aprender y ayudar. Con un corazón noble y bondadoso, es la antítesis de su hermano Shalako, un devoto fiel de los dioses que se alimenta de su propia superstición. Cruel y despiadado, su única meta es la obtención de poder. Pero ellos dos sólo son el principio de la larga lista de personajes que desfilan por las páginas de esta maravillosa obra, ya que en cada capítulo de las Crónicas, tendremos un salto temporal que nos hará conocer la descendencia de los que fuimos dejando atrás. He de remarcar lo interesante que es ver envejecer a los personajes, y cómo su carácter se va forjando. Por mencionar a otros, tenemos una pléyade de mujeres fuertes y seguras; Narmea, Loma, Fiona, Cora o Atlanna y otros tantos hombres de distinto carácter; Orin, Shalako, Rajar, Dardanus, Bazil, Regin, Kraken, Haumond, Atlan y Travis. Advierto al lector que le va a ser imposible no posicionarse en un bando o en otro, ya empezando entre la rivalidad Orin/Shalako y Peter David conseguirá que le cojas cariño a todos y cada uno, por poco que aparezca, y cuando en el siguiente número veas que no está ahí, le echarás de menos y querrás saber más.

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¿Cómo se hundió Atlantis? ¿Qué fue de Arion? ¿De dónde viene Aquaman? ¿Y sus poderes telepáticos con la fauna marina? ¿Por qué ese rechazo de los atlantes hacia los nacidos con pelo rubio? ¿De dónde surgieron Tritonis y Poseidonis? ¿Y la raza idilista de Aqualad? ¿Cuál es el motivo para que algunos atlantes estén más adaptados al medio acuático que otros? ¿Dónde encajan las sirenas en todo esto? Esas son sólo algunas de las preguntas que tenía que responder Peter David, y de un forma magistral, las contestó todas creando por el camino una epopeya inolvidable. Un cómic simplemente magnifico, y que por su carácter autocontenido merece un acercamiento para disfrutarlo y ver cómo encaja la historia atlante con la historia del mundo de la superficie, hilándose hasta el extremo cerrando ciclos y vidas. Desde mi humilde posición, diría que es una de esas historias de gran calidad que sorprendentemente quedan relegadas en un segundo plano.

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Si el guión es exquisito, el arte no se queda atrás, y es todo un honor que un compatriota nuestro, Esteban Maroto, realizara un trabajo tan precioso. Su estilo de cómic europeo, con unos personajes bellísimos, de expresiones dulces y realistas y con unos ojos que enamoran, hizo que el cómic fuera más allá de sus posibilidades. Figuras esculturales, mujeres de formas deliciosas y una imaginería íncreible para plasmar las profundidades, la urbe, las tecnologías y moda de Atlantis. Sus marcos y rostros beben del Art Noveau, y en especial del grandísimo Alfons Mucha. Simplemente por el arte, este cómic ya merece la compra.

Los colores son aplicados por Eric Kachelfhofer, en los albores del coloreado digital. Un trabajo muy bueno, con colores potentes y brillantes, pero que en ocasiones abusa de la simplificación coloreando zonas excesivamente amplias en lugar de perfilar los detalles con distintos colores, haciendo que el dibujo de Maroto se vea un poco ocultado.

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Ediciones

En EEUU, a parte de los 7 números originales, publicados a partir de 1989, a finales del año pasado, DC recopiló por primera vez la historia en un tomo formato Deluxe Hardcover.

En España, la situación es idéntica, originalmente, Zinco publicó las 7 entregas en formato grapa, y en enero de este año, ECC sacó un tomo precioso y muy cuidado en formato cartoné, fiel reflejo de la edición americana, recogiendo la saga al completo a un precio de 32,50€. Es la opción más fácil para tener esta historia, aparte de la más cómoda y bonita.

 

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Los Muertos Vivientes #2: Muchos kilómetros a las espaldas

“Te preocupas demasiado”

Los Muertos Vivientes #2: Muchos kilómetros a las espaldas contiene The Walking Dead #7-12.

Volumen anterior: Los Muertos Vivientes #1: Días Pasados

AVISO: La reseña que vas a leer a continuación no contiene ningún spoiler del volumen en cuestión, pero sí que podría contener spoilers relacionados con números anteriores.

Si algo ha demostrado Kirkman en los números que llevamos hasta el momento, es que su capacidad para dejarnos mordiéndonos las uñas es pasmosa. Carl ha matado a Shane, el compañero de Rick, por proteger a su padre. Es que los celos son muy malos. Y ahí lo dejamos al final de The Walking Dead #6, con el cadáver de Shane en el suelo y una pregunta sin responder; ¿qué pasó entre Lori y Shane?

Pues no hay que esperar; nada más comenzar el volumen, tenemos la respuesta, una respuesta que sumada a una revelación que se da después pone las cosas muy interesantes. Pero me ando por las ramas, porque este es un cómic de zombies ¿no? (risas).

Con Shane muerto, Rick es elegido unánimemente como el líder del grupo, y como era de esperar, su primera decisión es trasladar el campamento lejos del hervidero de zombies que es Atlanta. Todo el grupo, apretujado en la caravana de Dale se ve obligado a deambular por la carretera buscando un sitio seguro en el que asentarse.

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Y para reducir más el espacio disponible, se cruzan en el camino con tres personas vivas, las tres primeras que vemos desde que empezó la serie, lo que significa que no todo el mundo está muerto. Son Tyreese, su hija Julie y el novio de ésta, Chris. Kirkman no se deja llevar por el fallo fácil, y muestra que la reacción instintiva de Tyreese ante la hospitalidad de Rick es el recelo. El mundo ahora es un lugar peligroso, Tyreese insinúa que hay grupos de personas caníbales (espero que esto se explote en algún momento).

Pasado el periodo de confianza, los recién llegados se adaptan perfectamente al grupo y vemos en Tyreese a un personaje fuerte y decidido, algo que necesitaban para hacer más fuerza contra los zombies, además, su carácter alegre ha hecho que en apenas unos números se convierta en uno de mis favoritos.

Pero otra vez me despisto.

Muchos kilómetros a las espaldas ya desarrolla más en profundidad la respuesta de Rick y su grupo ante el… ¿y qué pasará después?¿cómo vamos a salir de esto?¿merece la pena esta vida?. Personas totalmente distintas, que en otra situación no congeniarían, se ven obligados a hacer piña, y quizá por ser el último atisbo de la sociedad que perciben, sienten la necesidad de apoyarse los unos en los otros, de formar casi una familia. Ahora, todos sus días pueden ser los últimos, así que cualquier luz, por poca intensidad que tenga se convierte en esperanza.

También tenemos la oportunidad de conocer a Hershel Greene, un granjero y veterinario que ha sobrevivido con sus hijos en la granja familiar. Y con él, un punto de vista distinto hacia los merodeadores y unos capítulos cargados de agitación.

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Con el presente arco llega el reemplazo artístico del que ya hablé en la entrada anterior; Tony Moore se va y deja el puesto libre para Charlie Adlard al dibujo y Cliff Rathburn a los grises. Personalmente, para esta serie me gusta mucho más este equipo; el trazo excesivamente fino de Moore no me terminaba de convencer, Sin embargo, Adlard, con sus manchas de negro y sus ojos tan expresivos hace que entre totalmente en la escena. Eso sí, aún tiene que mejorar, ya que algunas frentes le quedan estrechas y a veces nos encontramos con una viñeta con un personaje bizco.

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Rick Grimes por Moore (izda.) y Adlard (dcha.)

 

 

 

Guardianes de la Galaxia: Madre Entropía

“Esta realidad está agotada”

Hablar de Jim Starlin es hablar de una leyenda del cómic américano, y en especial de la parcela cósmica de Marvel. No en vano, él fue el creador de personajes como Thanos, Gamora o Drax que son esenciales en el futuro del universo cinematográfico marvelita.

Su carrera en la editorial empezó en los años 70, y ya nos trajo a Drax en su primer número en la colección de Iron Man (Iron Man Vol 1 #55), comienzo de lo que se denominaría posteriormente como “La Saga de Thanos” y que se desarrolló en distintas cabeceras, entre las que destacan la del Capitán Marvel y la de Warlock. Todo este material ha sido recopilado recientemente por Panini Cómics en el Marvel Gold: La Saga de Thanos.

Pero sin duda, sus momentos de máxima fama los alcanzó en los años 90 con sus sagas del infinito, incluyendo el mítico “Guantelete del Infinito”. Este material también está siendo recopilado actualmente en la Colección Jim Starlin.

Sus trabajos a partir de entonces no tuvieron tanto éxito, ni siquiera sus recientes novelas gráficas tratando, una vez más el infinito.

Aún así, todavía había un rinconcito del cosmos Marvel que Jim Starlin no había tocado; los Guardianes de la Galaxia de Star-Lord y compañía, ¿y qué mejor momento que en 2017 con todo el furor causado por la segunda película de James Gunn?

Guardianes de la Galaxia: Madre Entropía, se enmarca como otra de las series limitadas cobijadas bajo el sello Original Graphic Novel. En esta historia, la amenaza es Madre Entropía, un ser de increíble poder que pretende destruir la realidad para generar nueva vida; para ello, necesitará un avatar o madre, que seleccionará entre el grupo que transporta la Piedra Madre, que son, ni más ni menos que los Guardianes de la Galaxia, aunque también se verá envuelto en la trama Pip el Troll, que quiere robar la Piedra Madre para venderla.

Así comienza una historia que nos llevará de un lugar a otros del cosmos, con apariciones de los Skrull, Ronan, los Shi’ar e incluso los Vengadores. El ritmo de narración es muy veloz y no pierde el tiempo dando rodeos ni profundizando en exceso en los conceptos de la entropía, que era lo que se podía esperar tras leer las dos primeras páginas del tomo.

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Starlin trata de trazar el carácter y miedos de los Guardianes, mediante las pruebas de Madre Entropía. Aquí es donde se nota con qué personajes se nota más a gusto.

El principal problema es, precisamente, su tratamiento del grupo, ya que cae en el recurso fácil y plasma la imagen de los Guardianes del cine, con chistes copiados de la película, situaciones “cómicas” frecuentes e incluso el jefe del Cuerpo de Sapiencial es un calco del líder de los Nova Corps del cine; Rhomann Dey. Tampoco me ha gustado algún recurso que queda desde mi punto de vista, un poco infantil, como “El bar Starlin”… Este tipo de cosas suele sacarme de la lectura.

Aún con todo, no deja de ser una aventura galáctica muy divertida y con un tono alejado de la Marvel cósmica actual, mucho más clásico que nos recordará a los trabajos previos de Starlin. La lectura no supondrá ninguna dificultad, y seguramente la leas de corrido, para ver cómo resuelven el lío intergaláctico que han montado los Guardianes.

Por supuesto, una mención especial al final, donde el héroe es alguien que no esperábamos en un principio.

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Si el guionista es mítico, no se puede decir menos del dibujante; Alan Davis. Es cierto, que al igual que Starlin está muy lejos de sus mejores trabajos, y que se nota el paso del tiempo, pero esto no significa que no cumpla con su cometido; todo lo contrario, el dibujo sigue siendo bonito y la narración gráfica y las anatomías están muy logradas.

Para completar el arte de Davis, tenemos a Mark Farmer entintando y a Matt Yackey a los colores, ambos realizando un trabajo muy correcto.

Ediciones

Aparte de las ediciones americanas (grapas y tomo), en España, Panini Cómics nos trajo la novela gráfica bajo el formato Marvel Original Graphic Novel o Marvel OGN a un precio de 15,00€. El tamaño es el acostumbrado en las novelas gráficas y las tapas son en el cartoné típico de los álbumes europeos. La encuadernación es muy resistente y la edición cuidada. Las portadas se nos presentan al final del tomo, y el único extra son las biografías de Starlin y Davis.

 

 

Los Muertos Vivientes #1: Días Pasados

“Con un buen golpe en la cabeza los eliminas”

Y así comienza una nueva sección semanal; la de los Muertos Vivientes de Robert Kirkman, más conocidos como The Walking Dead. Rápidamente, antes de empezar, explico en qué va a consistir esta sección; desde hoy, cada semana (el jueves en principio), subiré una reseña de un volumen de la serie, hasta llegar al ritmo de publicación actual (a no ser que dejara de gustarme la serie, cosa que veo difícil). La reseña no contendrá spoilers del tomo del que se hable, pero sí que podrá contener spoilers de los tomos anteriores (lo avisaré de todos modos).

Los Muertos Vivientes ha sido y es, una serie que ha hecho temblar los cimientos de la industria del cómic; en 2003, cuando salió su primer número, bajo la editorial Image Comics, que por entonces no era lo que es actualmente (en parte gracias a series como las de Kirkman), en blanco y negro y sin publicidad apenas nadie esperaba lo que iba a pasar. Con todos los factores aparentemente en contra, o por lo menos no muy a favor, Kirkman comenzó a hacer historia, creando una franquicia de fama mundial, y cuyo cómic, si vamos a las cifras de venta USA más recientes (febrero 2018) sigue manteniéndose en lo más alto del ranking como siempre lo ha hecho, con el quinto puesto y más de 77000 unidades vendidas.

No nos engañemos, esto, para un cómic en blanco y negro, que no pertenece a ninguna de las dos grandes editoriales y en el mercado americano en el que la oferta es tremenda compitiendo contra continuos relanzamientos y series arropadas por películas que baten records en taquilla… pues es algo muy complicado.

Así que algo ha de tener.

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Días Pasados, es el primer arco argumental de la serie, con tan sólo 6 números (The Walking Dead #1-6) Robert Kirkman ya nos golpea con un mundo en el que sobrevivir es casi imposible. Lo iremos descubriendo junto a Rick Grimes, policía de un pueblo de Kentucky (estado en el que nació Kirkman), que tiene la mala suerte de despertar cuando las cosas ya están feas del todo; la mayor parte de la población humana se ha convertido en meras sombras de lo que eran, sin capacidad de razocinio y en plena putrefacción, su único objetivo es alimentarse de animales vivos; preferentemente humanos. Zombies.

Como ya comenta en el prólogo, el interés de Kirkman es ir siempre al siguiente suceso; que ningún lector se quede con la duda de lo que pasará a continuación. Esto es una historia de supervivencia, y de cómo las personas se transforman en medio de una catástrofe de tal magnitud.

El peso de la trama, en un principio cae mayoritariamente en Rick, pero poco a poco, según avanzamos, nuevos personajes van apareciendo y Kirkman es capaz de hacernos conocer la personalidad de cada uno con un par de diálogos o situaciones.

La historia tiene un ritmo trepidante, impide que dejes la lectura hasta concluir el arco. Se dan sucesos que no dejan de sorprender en ningún momento y que mantienen al lector en una continua tensión. Respecto a esto, desgraciadamente, yo empecé a ver la serie de televisión antes de leer los cómics. Es cierto que se comenta que va por caminos distintos al tebeo, pero la verdad es que este tomo hubiera sido muchísimo mejor si no la hubiera visto, ya que gran parte de la historia es muy similar. Aún así, sigue siendo una lectura espléndida.

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La interacción entre los personajes es uno de los principales atractivos. Las relaciones son completamente humanas, las reacciones de Rick al reencontrarse con sus conocidos son las que tendría cualquiera, y su relación con Shane, su compañero policía es brutal. Los seres humanos somos precisamente eso; humanos, y se demuestra aquí. No somos entidades completamente nobles con unos principios magnánimos y  modélicos, somos esencialmente egoístas, nos preocupamos por nosotros y lo nuestro, por sobrevivir.

Respecto al arte, este primer arco corre a cargo de Tony Moore. Como he comentado antes, es en blanco y negro con escala de grises, pero esto no supone ningún problema; hace al cómic distinto, y una vez leído cuesta imaginarlo a color. El estilo de Tony Moore es muy reconocible; tiene tendencia a crear unos personajes con cierto aire caricaturesco, no son dibujos súper detallados ni caras extremadamente realistas, pero con ello consigue una gran expresividad en sus personajes y los hace perfectamente reconocibles y diferentes los unos de los otros. También, en cuanto la narración gráfica, consigue que todo fluya de una manera muy orgánica, facilitando la lectura y haciendo que el dibujo complemente perfectamente al guión, sin obstaculizarlo. Los escenarios están muy cuidados y no escatima a la hora de hacer fondos. Aún así, en lo personal, creo que preferiría un dibujo más sucio, que transmitiese mejor esa atmósfera apocalíptica . Veremos cuando cambiemos de dibujante en el siguiente arco a Charlie Adlard, que será el artista fijo de la serie.

Si estás dudando, para. Compra este primer tomo y disfruta.

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Ediciones

El apartado de ediciones, sólo lo trataré en este primer tomo, ya que el formato se mantiene.

Si quieres el material en inglés, en EEUU tienes muchas opciones:

Grapas originales (complicado para conseguir todos los números).

TPB: cada uno recopila un arco argumental, es decir, 6 números.

HC: cada uno recopila 12 números.

Omnibus: cada uno recopila 24 números.

Compendium: cada uno recopila 48 números.

En España, la licencia pertenece a Planeta Cómic, y tiene dos opciones:

Los Muertos Vivientes Serie Regular que recopilan 6 números en tapa blanda, es decir, mismo formato que los TPB americanos, y que tienen un precio entre 7,5€ y 8,5€. Vienen sin ningún extra, y al principio no incluían las portadas. Empezaron a recopilarlas a partir del #20 si no me equivoco, y los tomos del #14 al #19 venían con una grapa de regalo que incluía cada una una serie de portadas, de manera que el lector de los tomos tuviera todas las portadas de la serie.

Los Muertos Vivientes Integral que al igual que los Omnibus, recopilan 24 números. Tienen una encuadernación en cartoné con un tacto parecido al cuero, y los lomos forman una imagen. Contiene extras y su publicación es posterior a la de los tomos en rústica. El precio es de 40€.

En mi caso, yo estoy siguiendo la serie en el formato regular, los tomos son muy cómodos para leer y transportar, su precio es muy tentador y el ritmo es el más cercano con respecto a la edición americana.

MPH de Mark Millar y Duncan Fegredo

“¿Un hombre ha hecho todo esto?”

Bajo su ya archiconocido sello Millarworld, dentro de Image Comics, en 2014 Mark Millar nos traía una vez más, una miniserie (5 números) con una premisa llamativa.

MPH gira en torno a Roscoe Rodriguez, un joven que para poder salir de la pobreza se ve obligado a vender droga en la ciudad del motor; Detroit. Roscoe, no es un mal tipo, simplemente quiere escapar de la decadencia que ha atrapado a su ciudad natal.

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Pero sus planes de futuro se ven alterados cuando en una entrega de droga, se ve rodeado por la policía, que le estaba esperando. Todos sus sueños van a tener que esperar a que salga de la cárcel. Pese a su optimismo, la desesperación le lleva a tomar unas pastillas nuevas llamadas MPH; una droga totalmente desconocida, que tras un breve periodo de adaptación, cambia su percepción del tiempo, o mejor dicho, aumenta su velocidad hasta límites insospechados.

Así comienza su viaje hacia una nueva vida, acompañado de su mejor amigo Chevy, su novia Rosa, y el hermano de ésta; Baseball. ¿El camino más fácil? Atracar bancos, nadie puede cogerles, si quisieran, ni siquiera les verían.

Pero al parecer, MPH no es algo tan novedoso; hace 30 años, un joven fue detenido tras arrasar involuntariamente una ciudad intentando frenar su avance descontrolado. Durante todo este tiempo, Mr. Springfield ha estado recluido y bajo observación del ejército, pero ahora parece que él es el único que puede detener a los cuatro criminales.

Un guión y desarrollo bastante sencillos, con un tratamiento de la supervelocidad poco o nada original, pero que sin embargo, entretiene y no se hace pesada. Que nadie busque en este cómic quebraderos de cabeza ni reflexiones muy profundas, ya que si hiciésemos un símil con el mundo del cine, esta obra sería un blockbuster.

Y aquí es donde entra el factor peliculero de Mark Millar. Sus obras parecen todas cortadas bajo el mismo patrón; empezar con fuerza, personajes en apuros, desarrollo lineal con mucha acción y giros de argumento más o menos sorprendentes según llegamos al final. ¿Es esto malo? Para nada, “cada maestrillo tiene su librillo”, pero al final puede acabar cansando leer cómics realizados siempre con la misma fórmula.

En definitiva, una obra recomendable para pasar el rato si buscas aventuras y acción sin complicaciones, no creo que nadie vaya a aburrirse con ella. Aléjate si ya te cansa Millar o si necesitas una lectura de más calado.

Apartado Gráfico

Al dibujo tenemos a Duncan Fegredo, dibujante con una capacidad abrumadora para cambiar su estilo según la obra que ilustre. En este caso, cumple tanto narrativa como estéticamente, pero está alejado de sus mejores trabajos. Transmite muy bien el movimiento y las expresiones, pero se queda algo cojo en el diseño de los personajes, con unas gafas de sol que quedan un poco ridículas. Un buen dibujo, pero que no llega a la altura de su trabajo en Enigma ni de lejos.

Peter Doherty colorea los dibujos con una paleta alegre y de colores con mucha fuerza, que transmiten el tono desenfadado y optimista de la obra.

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Ediciones

Personalmente, accedí a la obra a través del TPB publicado por Image, aparte, en el mercado estadounidense, se podrían buscar las grapas originales.

En España, la obra, como todas las del Millarworld, ha sido publicada por Panini Cómics en un tomo cartoné que recopila los 5 números a un precio de 16€.

MPH

Pero si eres paciente y no te importa el tamaño reducido, seguro que acabará apareciendo en la nueva línea de Panini Cómics; la Biblioteca Millarworld, una alternativa más asequible para acercarse a las obras de Millar.

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